Destrucción del espíritu en el arte
Aparecieron grupos de artistas frustrados y hambrientos que anhelaban la cima y el dulce pastel de la fama. El lema "NO HAY QUE CREAR ARTE, HAY QUE INVENTARLO" entró en la vida y se convirtió en el símbolo de la nueva pintura.
Así surgió la "pintura moderna", nuevas corrientes y tendencias. La demanda creció, el apetito también y todos se lanzaron hacia la fuente de alimento. Los distribuidores de arte recogieron la idea y apareció la publicidad artificial.
Muchos piensan: "Voy a hacer esa chapuza también, incluso mejor". Pero no son las pinturas las que hacen al artista, es su publicidad. En el mercado del arte, las agencias de relaciones públicas, las galerías - deciden tomar al artista y hacer de él un genio. Este es meticuloso, sabe la historia del arte, tiene algunas ideas, es incontrolable, puede mandarte lejos - no sirve.
Pero este otro sirve - borracho, llevando una vida desordenada, necesitado de dinero y reconocimiento. O este otro - hace lo que nadie ha hecho antes... TAMBIÉN SIRVE. Y el nuevo genio comienza a rendir dividendos.
¿Dirás que se han agotado los talentos? ¿Dirás que se ha llegado al final de la búsqueda en la pintura?
Por supuesto que no, han existido, existen y existirán, de un calibre u otro, pero existen... Sólo se ha perdido la profesión, el amor al trabajo, ese amor al arte que es capaz de sacrificios... Nuevos y nuevos se unen a la carrera hacia la fuente de alimento. El artista dice: "Pronto habrá una exposición, quiero pintar tres cuadros para ella..." ¿Acaso un cuadro es un par de pantalones? ¡Puedes coser unos pantalones para una fecha límite conocida... pero eso son solo pantalones!
Alphonse Allais. Jefe de la sociedad de fumistas.
Alphonse Allais vivió en Francia a finales del siglo XIX y además de dedicarse a la literatura, tenía muchas otras responsabilidades en su vida. En particular, desde 1878 ocupó el cargo de jefe de la sociedad de fumistas (fr. fumisme).
En 1882, en la galería Vivienne, en la exposición "El arte desencadenado", presentó por primera vez su famoso cuadro: un lienzo completamente negro y casi cuadrado titulado "La batalla de los negros en la cueva durante la noche", expuesto en un marco dorado por su compañero y colega escritor humorista Paul Bilhaud. Un año después (en la segunda exposición de "El arte desencadenado"), Allais exhibió una hoja blanca de papel Bristol con el título "Jóvenes anémicas van a su primera comunión en el invierno nevado". Un año más tarde, otra pintura de Allais fue recibida como una explosión de color. El paisaje rectangular "Cosecha de tomates en la costa del Mar Rojo por los cardenales" era una pintura de un solo color rojo brillante sin ningún signo de imagen.
Un estómago vacío no tiene oídos, pero tiene un gran olfato, dijo Alphonse Allais.
De esta manera, treinta años antes de las revelaciones suprematistas de Kazimir Malevich, el artista Alphonse Allais se convirtió en el autor de las primeras pinturas abstractas. El rectángulo blanco sobre fondo blanco y el cuadrado negro sobre fondo negro también pueden considerarse como una anticipación precisa del constructivismo y conceptualismo. La única diferencia entre Allais y sus seguidores era que él presentaba sus obras como una broma y no intentaba parecer un filósofo con muchas connotaciones o un descubridor serio. Fue precisamente esto lo que determinó la falta de reconocimiento de su contribución a la historia del arte.
El cuadrado negro de Malevich es un plagio vulgar de Alphonse Allais presentado y promocionado como una gran obra de arte.
Interludio lírico.
En la exposición del 123 aniversario de Malevich, en una prestigiosa galería de Moscú, el doctor en ciencias biológicas y miembro del Sindicato de Artistas de Rusia, el profesor Saveliev (fotógrafo) colgó 4 fotos abstractas. La prensa escribió que sus composiciones suprematistas con manchas de colores increíbles eran relevantes y continuaban la línea del arte del siglo XXI. Resultó que el profesor, burlándose del público, exhibió, según sus palabras, "fotografías de cortes histológicos del recto de un artista abstracto muerto, que son más valiosas que todas sus obras durante su vida".
Ejercicios alrededor del vacío.
En las primeras décadas del siglo XX terminó una enorme etapa histórica en el arte. Nos convertimos en testigos de la crisis del sistema artístico y esta crisis podría durar mucho tiempo. Hablando de casi todo el siglo XX, esta crisis probablemente se extenderá al siglo XXI completo. Pero es difícil conformarse con esto. Por eso empezó el dadaísmo, el surrealismo, "vamos a combinar cosas del mundo en combinaciones absurdas" - y algo empezó a saltar sobre patas de saltamontes. Y así, y así... ya el conceptualismo, y un tiburón flotando en formalina. Pero todo esto no es lo mismo, son ejercicios alrededor del vacío: qué hacer para sorprender.
Ahora cualquier tonto puede llevar a una exposición todo lo que quiera, incluso un montón de mierda y ponerlo junto a la pintura de un gran maestro - aquí estoy, soy tan valiente. Pero eso no es arte moderno. Puedes tomar un montón de tubos, exprimir toda la pintura sobre un lienzo y decir que es una obra maestra genial "Ohne Titel №16", pero el material debe llevar cierta imagen en el arte, no convertirse en "arte" en sí mismo. Cada vez que limpio mi gran mesa-paleta, limpio mi siguiente "obra maestra genial".
La creación de lo hermoso ha terminado, ¿no es obvio? Surgió el anti-arte. El arte se transformó en algo más. Y pronto a este producto le pondrán un nombre.
La destrucción del espíritu.
Vemos cómo se destruye el principio de la estética, el espíritu y el principio del ideal, es decir, el arte como un ejemplo elevado al que hay que aspirar, reconociendo todas nuestras imperfecciones humanas. Pero en el nuevo arte, el Espíritu no es necesario. Porque el arte siempre es un diálogo con el mundo.
Y en el mundo de hoy y en el futuro previsible, sólo queda la realidad como una pared, como un montón de ladrillos que nos muestran diciendo: esto es arte. O nos muestran un tiburón en formol, pero sólo provoca repulsión, no puede provocar otro sentimiento, no lleva nada sublime, es decir, el ideal. Lo que se muestra ahora en exposiciones y galerías desaparecerá. Porque los tiburones conservados, las ovejas, las pilas de basura y los derrames de pintura no son una forma artística. Es un gesto, una expresión, pero no es arte.
Impresión de historias - la era de las reproducciones.
Ha comenzado - y durará mucho tiempo - la era de las reproducciones, la era del contacto indirecto con la obra de arte. Incluso escuchamos música en auriculares, lo cual no es lo mismo que escucharla en vivo. Pero la reproducción es deficiente, no reproduce ni siquiera el tamaño, por no hablar de muchas otras cosas. Las personas que ven un programa de televisión sobre una exposición dicen: "¿Por qué deberíamos ir allí, si ya lo hemos visto todo?" Es triste, porque cualquier programa a través de los medios de comunicación no enseña a ver. En el mejor de los casos, permite capturar la trama y el tema.
Poco a poco, la gente se acostumbrará a no tener contacto directo con las pinturas. Las nuevas generaciones utilizarán cada vez más solo copias, sin entender que hay una gran diferencia entre una copia y una obra auténtica. Depende de todo: del tamaño, del material, del estilo de pintura, del color, que no se transmite adecuadamente. El trazo, el difuminado, incluso el oscurecimiento, que con el tiempo ya forma parte de la imagen, y todo lo demás: estas sensaciones se pierden definitivamente en la era de las reproducciones.
El poder que el artista transmite.
Se sabe que hay una cierta irradiación de la fuerza que el artista transmite al trabajar en una pintura, a veces durante muchos años. Esta saturación solo se transmite mediante el contacto directo. Lo mismo ocurre con la música. Escuchar música en salas de conciertos y su reproducción incluso en el soporte más nuevo no se pueden comparar en términos de impacto.
Para que el contenido del arte sea accesible a las personas, hay que mirar las grandes pinturas - son insondables. En cada nueva etapa de la vida, la pintura te revela sus nuevas facetas.
Círculo, palitos, mamá y casita.
No puedo prever cambios, así como no pude prever Internet. Pero sé que la necesidad de arte volverá a tomar fuerza, aún no sabemos en qué forma. ¿Por qué espero esto? Porque las personas, tú, yo, muchos otros, seguimos dibujando paisajes, escribiendo poesía, quizás de manera inexperta, pero esa necesidad está presente. Un niño pequeño siempre comienza dibujando a su madre, primero un círculo y palitos, luego "mamá", luego dibuja una casita porque él vive en ella.
Y mientras tengamos dos manos, dos pies y pensamientos en la cabeza, la necesidad de arte no desaparecerá. Esto viene de la naturaleza humana desde la época de las cavernas y siempre será así, a menos que nos deformen completamente.
Ya ha sucedido antes, cuando todo parecía estar llegando al punto final, pero luego surgían nuevas personas y algo sucedía.
Y mientras no veamos nuevos Leonardos, Manets, Hogans, Picassos, Chagalls, Matisses, Miros y Rauschenbergs, mientras no anden por París nuevos Modiglianis y Sutinas, no hay necesidad de preocuparse. La humanidad ha creado tanto grande, que tú y yo tenemos suficiente, añadiendo grandes nombres de museos y galerías a nuestros cerebros.
Y en eso debemos tener esperanza.
- Anatoli Gostev
Contemplación de la pintura
Inspiración creativa
Jan van Eyck - Brillo
Poseer una pintura
