La destruction de l'esprit dans l'art
Tout a commencé à la fin du XIXe siècle. Le public a enfin reconnu les impressionnistes et les postimpressionnistes. À cette époque, le marché de l'art s'est calmé, les meilleures œuvres ont été dispersées dans les musées et les collections privées, et le XXe siècle a commencé. Van Gogh s'est suicidé et Cézanne et Gauguin ont presque tout vendu.
Des groupes d'artistes frustrés et affamés sont apparus, qui aspiraient aux sommets et à la douce part de gloire. Le slogan "L'ART NE DOIT PAS ÊTRE CRÉÉ, MAIS INVENTÉ" est entré dans la vie et est devenu le symbole de la nouvelle peinture.
Ainsi est née la "peinture contemporaine", de nouveaux courants et mouvements. La demande a augmenté, l'appétit aussi, et tout le monde s'est précipité vers la mangeoire. Les marchands d'art ont adopté l'idée et une publicité artificielle est apparue.
Beaucoup disent: "Je peux faire cette touche moi aussi, encore mieux." Mais ce ne sont pas les peintures qui font l'artiste, c'est la publicité qui le fait. Sur le marché de l'art, ce sont les agences de relations publiques et les galeries qui décident de prendre l'artiste et de le transformer en génie. Celui-ci, méthodique, connaissant l'histoire de l'art, ayant des idées, indiscipliné, peut même dire "allez vous faire foutre" - ce n'est pas suffisant.
Mais celui-ci convient - ivre, menant une vie désordonnée, ayant besoin d'argent et de reconnaissance. Ou encore celui-ci - qui fait ce que personne n'a jamais fait avant... ÇA AUSSI CONVIENT. Et le nouveau génie commence à rapporter des dividendes.
Vous direz, les talents se sont-ils épuisés ? Vous direz, la recherche en peinture est-elle terminée?
Bien sûr que non, il y en avait, il y en a et il y en aura, de différentes tailles, mais ils existent... Seule la profession, l'amour du travail, cet amour pour l'art qui est capable de sacrifices, a été perdue... De nouveaux venus s'engagent dans la course à la mangeoire. L'artiste dit : "Bientôt l'exposition, je veux peindre trois tableaux pour elle..." Est-ce qu'un tableau est un pantalon?! On peut coudre des pantalons dans les délais impartis... mais ce ne sont que des pantalons.
Alphonse Allais. Le chef de la société des fumistes.
Alphonse Allais, qui vivait en France à la fin du 19ème siècle, avait, outre son intérêt pour la littérature, de nombreuses autres obligations dans sa vie. Depuis 1878, il occupait le poste de chef de la société des fumistes.
En 1882, à la galerie Vivienne, lors de l'exposition "Art libre", il a présenté pour la première fois son célèbre tableau - une toile entièrement noire et presque carrée intitulée "La bataille de nègres dans une cave, la nuit", exposée dans un cadre doré par son collègue et ami écrivain humoristique Paul Bilhaud. Un an plus tard (à la deuxième exposition "Art libre"), Allais a exposé une feuille de papier Bristol blanc intitulée "Des vierges anémiées vont à la première communion par un temps de neige". Un an de plus tard, une autre œuvre d'Allais a été perçue comme une explosion coloriste. Le paysage rectangulaire "Récolte de tomates sur la côte de la mer Rouge par des cardinaux" était une peinture monochrome rouge vif sans aucun signe de représentation.
Un estomac affamé n'a pas d'oreilles, mais il a un excellent odorat, disait Alphonse Allais.
Ainsi, trente ans avant les révélations suprématistes de Kazimir Malevich, l'artiste Alphonse Allais est devenu l'auteur des premiers tableaux abstraits. Le rectangle blanc sur fond blanc et le carré noir sur fond noir peuvent également être considérés comme une anticipation précise du constructivisme et du conceptualisme. La seule différence entre Allais et ses disciples était qu'il présentait ses œuvres comme une plaisanterie et ne cherchait pas à paraître comme un philosophe énigmatique ou un découvreur sérieux. C'est précisément cela qui a causé l'absence de reconnaissance de sa contribution à l'histoire de l'art.
Le carré noir de Malevich est un plagiat grossier d'Alphonse Allais présenté et promu comme une grande œuvre d'art.
Interlude lyrique
À l'exposition du 123ème anniversaire de Malevitch, dans une galerie prestigieuse de Moscou appartenant au docteur en sciences biologiques et professeur Saveliev (photographe, membre de l'Union des artistes de Russie), il a accroché quatre photos abstraites. La presse a écrit que ses compositions suprématistes avec des taches de couleur incroyables étaient pertinentes et poursuivaient la ligne de l'art du XXIe siècle. Il s'est avéré que le professeur, en se moquant du public, avait exposé, selon ses propres termes, "des photographies de coupes histologiques du rectum d'un abstrait mort, qui sont plus riches que toutes ses œuvres créées de son vivant".
Exercices autour du vide
Au cours des premières décennies du XXe siècle, une immense période historique dans l'art s'est achevée. Nous sommes témoins de la crise du système artistique, une crise qui pourrait durer longtemps. Ayant presque tout couvert au XXe siècle, cette crise se poursuivra probablement tout au long du XXIe siècle. Mais il est difficile de se résigner à cela. C'est ainsi que le dadaïsme, le surréalisme, « mettons des choses du monde en collision dans des combinaisons absurdes » ont commencé - et quelque chose s'est mis à sauter sur des pattes de sauterelles. Et plus loin, et plus loin... déjà le conceptualisme, et un requin est apparu dans le formol. Mais ce n'est pas ça, ce sont des exercices autour du vide : qu'est-ce que je peux faire pour surprendre les gens?
Maintenant, n'importe quel idiot peut apporter à une exposition tout ce qu'il veut, même une pile de merde et la mettre à côté d'une peinture d'un grand maître - voilà, regardez à quel point je suis audacieux. Mais ce n'est pas de l'art moderne. On peut prendre une pile de tubes, presser toute la peinture sur la toile et dire que c'est une œuvre géniale "Ohne Titel n°16", mais le matériau doit porter une certaine image dans l'art, et ne pas devenir l'art lui-même. Chaque fois que je nettoie ma grande table-palette, je nettoie ma prochaine "œuvre géniale".
La création de la beauté a pris fin - n'est-ce pas évident? L'anti-art est apparu. L'art s'est transformé en quelque chose d'autre. Et bientôt, ce produit sera nommé.
La destruction de l'esprit.
Nous voyons comment le principe de l'esthétique, de l'esprit et de l'idéal, c'est-à-dire de l'art en tant qu'exemple élevé auquel il faut aspirer en reconnaissant toute notre imperfection humaine, est en train d'être détruit. Mais dans l'art moderne, l'esprit devient inutile. Parce que l'art est toujours un dialogue avec le monde.
Et dans le monde d'aujourd'hui, et dans l'avenir prévisible, il ne reste que la réalité comme un mur, comme un tas de briques, qu'on nous montre en disant : "voilà l'art". Ou ils montrent un requin conservé dans du formol, mais il ne suscite que le dégoût, il ne peut susciter aucun autre sentiment, il ne porte rien de noble, c'est-à-dire d'idéal. Ce qui est montré maintenant dans les expositions et les galeries disparaîtra. Parce que les requins conservés, les moutons, les tas de déchets et les éclaboussures de peinture ne sont pas une forme d'art. C'est un geste, une déclaration, mais ce n'est pas de l'art.
L'impression de l'intrigue - l'ère des reproductions.
L'ère des reproductions a commencé et durera longtemps, une ère de contact indirect avec l'œuvre d'art. Nous écoutons même de la musique avec des écouteurs, ce qui n'est pas la même chose que de l'entendre en direct. Mais la reproduction est dommageable, elle ne reproduit même pas la taille, sans parler de bien d'autres choses. Les gens, après avoir regardé une émission de télévision sur une exposition quelconque, disent : "Pourquoi devrions-nous y aller, nous avons tout vu". C'est triste car toute transmission à travers les médias ne nous apprend pas à voir. Elle permet au mieux de saisir l'intrigue et le thème.
Les gens finiront par se désintéresser de la communication directe avec les tableaux. Les nouvelles générations se serviront de plus en plus de copies, sans comprendre qu'il y a une grande différence entre une copie et une œuvre authentique. Tout dépend de tout: de la taille, du matériau, du style, de la couleur qui n'est pas transmise adéquatement. Les touches de pinceau, les glacis, même l'assombrissement, qui fait déjà partie de l'image avec le temps, et bien d'autres choses encore - ces sensations sont définitivement perdues dans l'ère des reproductions.
La puissance que transmet l'artiste.
Il est connu qu'il y a une certaine énergie que transmet l'artiste en travaillant sur une peinture parfois pendant de nombreuses années. Cette saturation ne se transmet que lors d'un contact direct. C'est la même chose avec la musique. Écouter de la musique dans des salles de concert et son reproduction même sur le dernier support - c'est incomparable quant à son impact.
Pour que le contenu de l'art soit accessible aux gens, il faut regarder les grandes peintures - elles sont sans fond. À chaque nouvelle étape de la vie, une peinture vous révèle de nouveaux aspects.
Des cercles, des bâtons, maman et une maison.
Je ne peux pas prévoir les changements, tout comme je ne pouvais pas prévoir Internet. Mais je sais que le besoin d'art prendra à nouveau de la force - nous ne savons pas encore sous quelle forme. Pourquoi j'espère cela? Parce que les gens - vous, moi, beaucoup d'autres - continuent de dessiner des paysages, d'écrire des poèmes, même s'ils ne sont pas très doués, mais ce besoin existe. Un petit enfant commence toujours par dessiner sa maman - d'abord un cercle et des bâtons, puis "maman", puis il dessine une maison, parce qu'il y habite.
Tant que nous avons deux mains, deux pieds et des pensées dans la tête, le besoin d'art ne disparaîtra pas. Cela vient de la nature humaine depuis les temps des cavernes et ça sera toujours ainsi, à moins qu'on ne nous déforme complètement.
Cela s'est déjà produit quand tout semblait approcher du point final, mais ensuite de nouvelles personnes sont apparues et quelque chose s'est produit.
Tant qu'on ne voit pas de nouveaux Léonardo, Manet, Hogen, Picasso, Chagall, Matisse, Miró et Rauschenberg errer dans les rues de Paris, il ne faut pas être affligé. L'humanité a créé tellement de choses magnifiques que nous avons assez pour nous, en ajoutant à nos esprits les grands noms des musées et des galeries.
Cela devrait être espéré.
- Anatoli Gostev
Peinture et sa contemplation
Inspiration artistique
Jan van Eyck - Glose
Possession d'un objet d'art
